diese DVD  im Fachhandel kaufen  bei: Händlerliste   oder     www.amazon.de  www.bol.de  www.jpc.de  www.wom.de	Künstlerportrait  Vidor Nagy in concert    Doppel - DVD (Video) Katalognummer HERA02201   Auf allen gängigen DVD - Player in Farbe abspielbar Format NTSC, 4:3, PCM stereo    Presse / Medien und alle CD - Kritiken    DVD - Infos ( deutsch / english / français / español)  Homepage Vidor Nagy  DVD 1 / ca. 1:37:42   Recital (1992) Vidor Nagy, Viola / Günter Schmidt, Klavier • Studio der Landesgirokasse Stuttgart • 14.6.1992 • eine Veranstaltung des Kulturinstitutes der Republik Ungarn  Henry Eccles (ca. 1668-1735), Sonate in g-moll   1 Largo                                                                                               (3:17)  2 Corrente / Allegro                                                                              (1:29)  3 Adagio                                                                                             (1:40)  4 Allegro vivace                                                                                   (1:45)   Franz Schubert (1797-1828), Sonate (Arpeggione) in a-moll (1824)   1 Allegro moderato                                                                              (8:26)  2 Adagio                                                                                             (3:31)  3 Allegretto                                                                                         (9:01)      Darius Milhaud (1892-1970), Quatre Visages (1943)   1 La Californienne                                                                               (2:06)  2 The Wisconsonian                                                                           (1:22)  3 La Bruxelloise                                                                                 (2:43)  4 La Parisienne                                                                                  (3:00)   Zoltán Kodály (1882-1867)   Adagio (1905, rev. 1916)                                                                   (9:20)      György Kurtág (1926-)   Signes op. 5 (1961)                                                                           (6:28)      Béla Bartók (1881-1945), Rhapsodie Nr. 1 (1928)   1 Lassù / Moderato                                                                            (4:03)  2 Friss / Allegro moderato                                                                   (6:05)   Bach, Chaconne (1998) Hoffeldkirche Stuttgart • 2.5.1998 • Vidor Nagy, Viola  Johann Sebastian Bach (1685-1750)   Ciaccona aus der Partita Nr. 2 d-moll                                             (14:09)   Paganini, Sonata per la Grand' Viola (1982) Liederhalle Stuttgart, Beethovensaal • 7.6.1982  •  Abschlusskonzert des Int. Kongresses der Deutschen Viola -Gesellschaft e.V. • Württ. Staatsorchester Stuttgart, Dennis Russell Davies, Dirigent • Baldur Pollich, Gitarre    Nicoló Paganini (1782-1840) Sonata per la Grand' Viola e Orchestra (1834)   1 Introduzione                                                                                     (3:18)  2 Cantabile - And. sostenuto                                                                (2:56)  3 Thema con variationi                                                                         (7:36)   Zugabe:   Nicoló Paganini Zugabe aus dem Quartett Nr. 15 (1820)   1 Recitativo                                                                                         (1:36)  2 Adagio cantabile                                                                               (3:48)   DVD 2 / ca. 1:47:20   Recital (1989) Vidor Nagy, Viola / Günter Schmidt, Klavier • Studio des Musikhauses Piano- Fischer, Schorndorf • 17.2.1989  Gaetano Brunetti (1744-1798), Sonate in D-Dur (1789)   1 Allegro moderato                                                                             (3:38)  2 Larghetto sostenuto                                                                         (2:58)  3 Rondeau, Allegretto                                                                         (3:22)   Rebecca Clarke (1886-1979), Sonata (1919)   1 Impetuoso                                                                                       (7:29)  2 Vivace                                                                                            (4:08)  3 Adagio                                                                                          (10:28)      Paul Hindemith (1895-1963), Sonate op. 11/4 (1918)   1 Fantasie                                                                                         (2:35)  2 Thema mit Variationen                                                                     (7:57)  3 Finale (mit Variationen)                                                                    (5:48)      Manuel de Falla (1876-1946) Suite populaire espanole (1914) - Canciones populares españolas   1 El pano moruno                                                                              (2:18)  2 Nana                                                                                             (2:38)  3 Canciòn                                                                                         (1:24)  4 Polo                                                                                              (1:25)  5 Asturiana                                                                                       (3:00)  6 Jota                                                                                               (3:23)      Johannes Brahms (1833-1897) Sonatensatz Scherzo aus der "FAE Sonate" (1853)   Allegro                                                                                             (5:36)   Bartók, Konzert für Viola (1996) Liederhalle Stuttgart, Beethovensaal • 29.1.1996 • Württ. Staatsorchester Stuttgart • Vidor Nagy, Viola / Gabriele Ferro, Dirigent  Béla Bartók (1881-1945) Viola Concerto (1945) Fassung Tibor Serly   1 Moderato                                                                                     (10:13)  2 Adagio religioso                                                                             (8:54)  3 Allegro vivace                                                                                 (6:39)   Zugabe  Paul Hindemith (1895-1963)  aus der Sonate für Bratsche allein op. 25 Nr.1   III Satz 1 Sehr langsam                                                                     (4:43)   Mahler, Adagietto (1999) Liebfrauenkirche Stuttgart25.4.1999Vidor Nagy, Viola  Martina Schrott, Harfe Ort: "HORA CAECILIA 1999"  Gustav Mahler (1860-1911) Adagietto aus der 5. Sinfonie (1904)   Bearbeitung für Viola und Harfe                                                           (8:46)
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	weitere CD - Aufnahmen mit Vidor Nagy und dem Württ. Staatsorchester: HERA02112 / HERA02119 / HERA 02107

Dezember 2008

Should violist Vidor Nagy decide to retire from active service in the near future, this collection of video recordings, totally three and a half hours, would nicely round off his career.  ...it is fascinating to have these unedited performances, live in every sence of the word

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Ein Rückblick oder:
Die Fata Morgana der flammenden Viola
 

Am Anfang war das Publikum, und es war immer grenzenlos neugierig. Die Musen sahen, dass das gut war und dass die Künste nur so gedeihen konnten. Es reichte nämlich nicht, dass Hamlet das „Sein oder nicht sein“ beschwörte – die Leute wollten schon immer auch wissen, was Hamlets letzte Lektüre gewesen war, weil sie ihm nicht zutrauten, dass er seinen berühmten Spruch selbst erfunden hatte.

Ein Bratschenspieler vermag nicht, sein Gehäuse mit einem solchen Geniestreich in die Welt zu setzen – dazu ist das Material, das ihm zur Verfügung steht, nicht vielfältig genug. Die Wände seines Gebäudes – Bach, Mozart, Beethoven, Brahms, Hindemith, Bartók – bestehen zwar aus edlen Hölzern, aber genau besehen, sind es nur einzelne Luxus-Latten, zwischen denen der Wind des Mangels hindurchpfeift. Deshalb muss der Bratschist seine Hütte ständig renovieren und viel Fantasie mit praktischen Einfällen kombinieren, um die Lücken seines Repertoire-Häuschens auszufüllen. Das kostet viel Kraft und Energie, und der Bratschist, der das Abendrot seiner Musikerlaufbahn aufleuchten sieht, freut sich des Tagesglückes, das ihm erlaubte, anhand des vorgefundenen und mühsam erweiterten Materials so lange Kopf und Gefühle in einer Synthese zu vereinen: In der Musik, die man spielt, muss man sich heimisch fühlen.

Doch ein Musikstück ist nie fertig – es erfindet sich stets neu, wobei der Wandel der Zeit, des Geschmacks und des Stils an der kreativen Arbeit stets Teil hat. Deshalb ist der Versuch, Kunst hervorzubringen, eine fast selbstmörderische Aufgabe, bei der man sich vollständig entäußert und nur hoffen kann, dass das Ganze zu einem guten Ende kommt. Doch die Auseinandersetzung mit den „Säulen“ des Repertoires – das sind die Stücke, denen man eine „ewige Gültigkeit“ nachsagt –  endet nie. Das ähnelt der Geschichte vom Zen-Meister, der seinen Schüler sieben Jahre lang quält, bis dieser es nicht mehr aushält und seinen Lehrer hinterrücks zu erschlagen sucht. Doch der Meister dreht sich blitzschnell weg, fängt den Schlag ab und sagt: Jetzt können wir mit dem Unterricht anfangen! Ähnlich vergeht das Leben des Musikers mit dramatischem Stolpern durch die Klangfelder seines störrischen und doch so geliebten Instruments. Indes steigert sich die Qualität der Zwiesprache, wenn der Musiker Reife erlangt und die Tücken seines Instruments zu zähmen erlernt.

Wenn man schon an „zeitlose“ Kompositionen denkt, fragt man sich auch, ob es eine dem entsprechende Interpretation zu geben vermag. Wir sagten schon, was dem entgegensteht, und doch muss man wie Sisyphus gerade darum kämpfen, auch wenn am Ende nur die Freude am Kampf bleibt. Auch hier zwingt sich ein Vergleich auf – der des Korbflechtens in der Irrenanstalt: Auch in der Musik ist die Arbeit Ziel und Therapie zugleich. So können schließlich die Konzerte und die daraus resultierenden Tondokumente wahrer als das Leben selbst werden.

Indem ich nun ein Musik-Video vorlege, suche ich den Weg in eine neue Welt, in der das einmal Erlebte mit farbigen, kaleidoskopischen Zügen wieder erweckt werden soll. Dazu wird die historische Reihenfolge der Werke außer Kraft gesetzt zugunsten einer etwas größeren dramaturgischen Konstruktion, die dank der anwesenden Zuhörer tragfähig wird, ohne dass Babels Turm in sich zusammenfällt. Publikum inspiriert und reinigt die Kehle, stärkt den Atem und erneuert die Lunge: Publikum ist der edelst Resonanzkörper, in den der Instrumentalist aufgenommen zu werden vermag! Manchen Künstlern, beispielsweise der Callas, gelingt es, die Zuhörer auf einen anderen Planeten zu entführen, auf dem Sinnlichkeit und Träume als Wirklichkeiten erscheinen, in denen tiefste Trauer und grenzenlose Lebensbejahung sich berühren. Rilke sagte, die Musik erhebe ihn, lasse ihn dann aber tiefer fallen als zuvor. Und doch wirken bekanntlich schöne Reize stets positiv, egal ob sie einem in der Wirklichkeit oder in der Kunst entgegentreten. Schönheit kann eine Droge sein. Eine wundervoll ausgesungene Melodie kann wie ein Mysterium wirken, und das Maß eines Künstlers erspürt man auch daran, wieviel Geheimnis er in sich trägt. Das ist die Katharsis, die Erneuerung, die Erleuchtung.

Dino Laurentis meint, es komme zunächst auf die drei „C“ an: Cuore – cervello – coglio. Das ist „nur“ die Sprache eines Filmproduzenten, doch einige Musiker denken ebenso. Die größten unter ihnen vermeiden zwar solche Worte, doch meinte Pablo Casals leztlich das Gleiche, wenn er Musikalisches mit dem Element des Wassers in Verbindung bringt: „Der Rhythmus ist wie die Welle im Fluss.“
 
 

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Un regard en arrière ou :
Le mirage de l’alto flamboyant
 

Au commencement était le public, à la curiosité inextinguible. Les muses virent que cela était bien et que les arts ne pouvaient prospérer qu’ainsi. En effet, il ne suffisait pas qu’Hamlet invoquât son « Être ou ne pas être » – les gens ont toujours voulu savoir ce qu’il avait lu en dernier, parce qu’ils ne le pensaient pas capable d’avoir trouvé lui-même sa célèbre devise.

Un altiste ne peut pas présenter son instrument à la face du monde par un tel trait de génie  – le matériau dont il dispose n’est pas assez riche de facettes pour cela. Les murs de son édifice – Bach, Mozart, Beethoven, Brahms, Hindemith, Bartók – sont certes faits de bois précieux, mais si l’on y regarde de près, il ne s’agit là que de planches de luxe entre lesquelles siffle le vent du gouffre. C’est pourquoi l’altiste doit sans cesse rénover sa cabane et faire appel avec beaucoup d’imagination à toutes sortes de combinaisons pratiques afin de combler les lacunes architecturales de son répertoire. Cela demande mainte force et énergie, et l’altiste qui voit poindre le crépuscule de sa carrière de musicien se réjouit du bonheur diurne qui lui a permis, à l’aide du matériau déjà existant et péniblement agrandi, de faire si longtemps la synthèse entre la tête et le cœur : il faut se sentir chez soi dans la musique que l’on joue.

Mais un morceau de musique n’est jamais achevé – il ne cesse de se réinventer, le fil du temps, l’évolution des goûts et des styles ayant leur part dans le travail créatif. C’est pourquoi tenter de produire de l’art est une entreprise presque suicidaire qui implique un renoncement total et dans laquelle il n’est que permis d’espérer en une issue positive. Cependant, la confrontation aux « piliers » du répertoire – les morceaux à qui l’on prête une « valeur éternelle » – ne prend jamais fin. Cela rappelle l’histoire du maître zen qui tourmente son élève pendant sept ans, jusqu’à ce que celui-ci n’en puisse plus et tente de tuer son maître par derrière. Mais le maître fait volte-face, pare le coup et dit : Nous pouvons maintenant commencer avec l’enseignement ! La vie du musicien suit un cours parallèle, une voie dramatique semée d’embûches à travers les champs sonores de son instrument certes rebelle, mais ô combien aimé. Pendant ce temps, la qualité du dialogue grandit à mesure que le musicien mûrit et apprend à dompter les difficultés de l’instrument.

Si l’on pense à des compositions « intemporelles », on peut se demander si une interprétation est capable de se mouvoir dans le même espace. Nous avons déjà dit ce qui s’y oppose et pourtant, c’est justement pour cela qu’il faut lutter tel Sisyphe, même si ne subsiste à la fin que la joie du combat. Là encore une comparaison s’impose – celle du travail de vannerie dans l’asile de fous : en musique aussi, le travail est à la fois le but et la thérapie. C’est  pourquoi finalement, les concerts et les documents sonores en résultant peuvent être plus vrais que la vie même.

En présentant une vidéo musicale, je tente une voie nouvelle pour pénétrer un univers neuf dans lequel ce qui a été vécu une fois doit être ranimé par des traits de couleur  kaléidoscopiques. Dans ce but, la succession historique des œuvres est annulée au profit d’une construction dramaturgique un peu plus vaste qui puise son assise dans la présence des auditeurs, sans que la tour de Babel ne s’effondre. Le public est porteur d’inspiration, il éclaircit la gorge, il renforce le souffle, il purifie le poumon : le public est le corps de résonance le plus noble dans lequel l’instrumentiste puisse être accueilli ! Certains artistes, par exemple la célèbre Maria Callas, réussissent à enlever les auditeurs dans d’autres sphères, où rêve et sensualité semblent réels, où se côtoient la détresse la plus profonde et un optimisme sans limite. Rilke a dit que la musique l’élevait pour le laisser ensuite retomber encore plus profondément qu’avant. Pourtant, on sait bien que de beaux attraits exercent toujours un effet positif, qu’on les rencontre dans la réalité ou dans l’art. La beauté fait parfois l’effet d’une drogue. Une mélodie merveilleusement chantée peut revêtir l’aura d’un mystère, et la dimension d’un artiste est aussi appréhendée à l’aune du secret dont il est porteur. C’est la catharsis, la renaissance, la révélation.

Dino de Laurentiis disait que tout dépend des trois « C » : Cuore – cervello – coglioni. Ce n’est là « que » le langage d’un producteur de films mais certains musiciens pensent à l’identique. Les plus grands d’entre eux évitent certes ce genre de paroles mais en fait, Pablo Casals exprime la même chose lorsqu’il associe le phénomène musical à l’élément eau  : « Le rythme est comme l’onde du courant. »

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A Retrospective or:
The Fata Morgana of the Flaming Viola
 

In the Beginning was the audience arid it was infinitely curious. The muses saw that it was good, and that only in this manner could the arts flourish.  They weren't satisfied by Hamlet's "To be or not to be" declamation. The people wanted to know what the last article was which Hamlet had read; they didn't believe that  he   was the creator of his own famous words .

For the violist it's not a given that his construct can be delivered in such a stroke of genius; the materials at his disposal are not sufficiently varied.  While the walls of his building  - Bach, Mozart, Beethoven, Brahms, Hindemith, Bartók - are, indeed, made of precious timbers , they are  in reality single luxury planks through which the winds of lack whistle.  Consequently, combining a good dose of fantasy with practical ideas , the violist is involved in a constant renewal process, filling in the gaps of his little repertoire abode. Though this process demands of him both strength and energy, seeing his musical path illuminated in the evening glow, he is grateful for the daylight which, on the basis of existing and laboriously expanded
materials , has enabled him to produce a synthesis of head and heart for such a long period of time.  It is in the music he plays that the musician finds his sense of home.

Yet a piece of music is never finished; it's in a constant state of renewal, reflecting the changing times, tastes and styles which remain facets of the creative process. That fact explains why the attempt to present such a work of art can almost be suicidal: all is revealed and one can only hope that the entire endeavour ends well. The analytical dialogue with mainstay repertoire - those pieces which enjoy the label "immortal" - is never-ending, as is the work on the performance of them. It is similar to the story of the Zen master who tormented his student for seven years until, no longer able to endure it, behind his back he attempts to slay the Master.
However,  quick as lightning the Master turns around, interrupts the attempt and scolds , "Now the lessons can begin."  It is similar to the life of a musician dramatically trudging through the tonal fields of his stubborn, yet so beloved, instrument.  It is when the musician matures and has learned to tame the idosyncrasies of his instrument that the dialogue reaches new levels.

In considering "timeless" compositions, one naturally questions his own ability to do justice to that work. We've already mentioned what the musician is faced with, yet he still has to fight like Sisyphus, even if -  ultimately -  it is only the joy of that fight which remains.  Here , too/ a parallel comes to mind:  basket-weaving in an insane asylum.  Also in music, goal and therapy are united in the striving itself.  Along these lines, concerts and resulting tonal documentaries can be truer to life than life itself.

In now presenting a music video, I seek a path in a new world where that which has already been experienced might be re-awakened by colorful, kaleidoscopic traits.

The normal chronological program order is being abandoned in favor of a larger dramaturgic construction with its own inner logic becoming apparent to the listeners, without threatening the Tower of Babel.  The presence of an audience inspires, clears the throat,  strengthens the breath and renews the lung.  An audience is the most valuable resonating body into which an instrumentalist can be incorporated!  Some artists, such as did the famous Maria Callas, even succeed in abducting their listeners to other planets, where the deepest melancholy, sensuality and dream appear to be the unlimited, life-affirming realities.  Rilke maintained that music elevated him, only to let him descend even deeper in the aftermath. Nonetheless, it is known that whether in reality or in the world of the arts, provocation in the guise of beauty can ultimately have a positive effect*  Beauty can be a drug.  A wonderfully sung melody can work like a mystery;  the measure of the artist is in the degree to which he harbors this secret within himself.   The catharsis, the renewal and the illumination is then his.

Dino Di Laurentis was of the opinion, it all depends on the three C's cuore-cervello-coglio.  That's "just" the language of a film pro-ducer, but certain musicians think likewise. The greatest of them would avoid that specific choice of words, but Pablo Casals meant the same in melding the musical idea with the element, water: "Rhythm is like waves in the river."
 

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Una visión retrospectiva o:
El espejismo de la viola llameante
 

En un principio era el público, y el público fue siempre insaciablemente curioso. Las musas vieron que eso era bueno y que sólo así podrían florecer las artes. Efectivamente, no bastaba que Hamlet invocase el “Ser o no ser” – la gente siempre quiso saber qué libro estaba leyendo, porque no se fiaban de que él mismo hubiera inventado la célebre frase.

Un violista no es capaz de establecerse en el mundo sólo con una muestra semejante de genialidad – el material de que dispone no posee la suficiente variedad para ello. Aunque las paredes de su edificio – Bach, Mozart, Beethoven, Brahms, Hindemith, Bartók – sean de maderas exquisitas, son sólo lujosos listones, entre los cuales silba el viento de la escasez. Por lo tanto, el violista tiene que renovar constantemente su cabaña, combinando mucha fantasía con ideas prácticas, para tapar los huecos de la habitación que es su repertorio. Esto cuesta muchas fuerzas y mucha energía; el violista que ve relumbrar el ocaso de su carrera se alegra de haber podido, gracias a un repertorio en parte ya existente y en parte trabajosamente expanido, hacer de su cerebro y su sentimiento una síntesis. En la música que uno toca es necesario sentirse como en casa.

Pero una obra musical no está jamás terminada – se reinventa constantemente a sí misma, y los cambios históricos, del gusto y del estilo forman siempre parte del trabajo creativo. El intento de producir un hecho artístico es por lo tanto una misión casi suicida, en la cual uno se destroza completamente, mientras que sólo puede esperar que todo termine más o menos bien. Pero el trabajo con las “pilastras” del repertorio – las obras a las cuales se atribuye una “validez eterna” – no termina jamás. Es como la historia del maestro de Zen que atormenta a su discípulo durante siete años, hasta que éste no puede soportarlo más e intenta asesinarlo por la espalda. El maestro se da vuelta rápido como el rayo, ataja el golpe y dice: ¡Ahora podemos comenzar las lecciones! De un modo semejante transcurre la vida del músico, atravesando dramáticamente a tropezones los campos sonoros de su instrumento testarudo y sin embargo tan amado. Pero el diálogo aumenta en calidad cuando el músico alcanza la madurez y aprende a domesticar las mañas de su instrumento.

Al pensar en composiciones de “validez eterna”, uno se pregunta si puede existir una interpretación que también lo sea. Ya hemos dicho por qué no la puede haber, pero sin embargo es necesario luchar por ella como Sísifo, aún cuando al final lo único que queda es la alegría de la lucha. También aquí se impone una metáfora – la de trenzar cestos en el manicomio: también en la música es el trabajo al mismo tiempo objetivo y terapia. De aquí resulta que los conciertos y los documentos sonoros que de ellos resultan son más reales que la vida misma.

Con la presentación de un vídeo musical busco el camino a un nuevo mundo en el cual sea posible repetir el pasado con características caleidoscópicas y coloridas. El orden cronológico de las obras ha sido reemplazado por una construcción dramatúrgica superior, que gracias a la presencia del público funciona sin derrumbarse como una torre de Babel. El público es fuente de inspiración y de renovación, es el cuerpo de resonancia más noble que pueda desear un instrumentista. Algunos artistas, como por ejemplo Maria Callas, logran llevar a sus oyentes a otro planeta, en el cual la voluptuosidad y los sueños paracen ser verdades en las cuales la pena más profunda se aúna a un optimismo sin límites. Rilke dijo que la música lo elevaba para luego dejarlo caer más bajo aún de lo que estaba antes. Sin embargo es sabido que las sensaciones hermosas tienen siempre un influjo positivo, ya sea en en el arte o en el mundo real. La belleza puede ser una droga. Una melodía cantada maravillosamente puede tener el efecto de un misterio religioso; el calibre de um músico se intuye también a través de sus secretos. Esta es la catarsis, la renovación, la iluminación.

Dino de Laurentiis dice que lo más importante son las tres “C”: Cuore – cervello – coglioni. Este es “solamente” el lenguaje de un productor de cine, pero algunos músicos piensan también así. Los más grandes de ellos evitan esta clase de lenguaje, pero Pablo Casals quería decir lo mismo cuando relacionaba elementos de la música con el elemento acuático: El ritmo es como las olas en un río.
 
 

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